「FACE」 FLAT FACE
「FACE」 (1986 ミディ）
FLAT FACE
＜members＞
武末淑子：vocal
武末充敏：all instruments
1.「HONEYMOON IN PARIS」 詞・曲・編：FLAT FACE
2.「DADA」 詞：FLAT FACE 曲：河崎正芳・FLAT FACE 編：FLAT FACE
3.「LOOK」 詞・曲・編：FLAT FACE
4.「シェリーに口づけ」 詞・曲：Michael Polnareff 編：FLAT FACE
5.「池を越えて」 詞・曲・編：FLAT FACE
6.「ガス燈の下で」 詞・曲・編：FLAT FACE
7.「私もヒゲが欲しい」 詞・曲・編：FLAT FACE
8.「新しいシャンソン」 詞・曲・編：FLAT FACE
9.「MBA」 詞・曲・編：FLAT FACE
10.「日々の泡」 詞・曲・編：FLAT FACE
＜support musician＞
松本キヨノブ：guitar
河崎正芳：keyboard
produced by FLAT FACE
co-produced by 藤井丈司
engineered by 重藤功・重藤進
● 家内制手工業的ヨーロッパ旅行のお土産といった風情に両面性が垣間見える多重録音夫婦デュオ唯一の作品
1970年代の日本ロック黎明期に2枚のアルバムを残した伝説のロックバンド葡萄畑のオリジナルドラマーであった武末充敏は、80年代に入ると東京に別れを告げ故郷である福岡に拠点を移します。80年代は多重録音急成長期ということもあり、武末は妻である武末淑子と夫婦多重録音ユニットFLAT FACEを結成、彼らのデモソングが当時設立したばかりのMIDIレコードの目に止まり、1986年1stアルバムである本作のリリースに至ります。坂本龍一や大貫妙子、EPO、立花ハジメ、鈴木さえ子・矢野顕子ら錚々たるメンバーであった初期MIDIにあっては、沢村満率いるMICH LIVEや野見祐二のデビューユニット・おしゃれテレビといった無名の実力派ユニットも名を連ねていましたが、その中でもFLAT FACEは比較的匿名性が高いユニットという認識が強く、先行シングル「HONEYMOON IN PARIS」においてその牧歌的エレポップといった風情は確認できてはいたものの、本作においてその全貌が明らかになったのでした。
さて本作の蓋を開けてみれば、まず前述の「HONEYMOON IN PARIS」の牧歌的世界観にグッと引き寄せられるわけですが、まずは武末淑子の大貫妙子ばりの清涼感を漂わせた上品な声質によるヴォーカルに否が応でも耳を捉えます。リバーブ感たっぷりのヴォーカルパートと、ギター、ドラムマシン＆シンセが中心の音数の少ないオーガニックなサウンドは、過激なサウンドを求め過ぎていた80年代後半に差し掛かる時代にあって、ネオアコースティックと呼ばれるムーブメントを先取りするかのような先見性に優れたセンスを備えているといった印象を受けます。マシナリーになりがちなドラムマシンによるリズムパートでありながら、人間味を感じさせる温かなサウンドを維持し続けているのはやはり朴訥なフレーズを奏で続けるギターフレーズによるもので、特に「池を越えて」や「私もヒゲが欲しい」等ではフレットの音も生々しい手弾き音色の存在感がそのまま彼らのサウンド的個性として生きています。かたや「DADA」や「シェリーに口づけ」「ガス燈の下で」等ではリズムが強調されたり、ボイスサンプリングやエフェクトなどでエレクトリックな処理が活躍するなど（これにはDATE OF BIRTHの重藤兄弟によるミキシングの功績も大きいと思いますが）、打ち込み多重録音ユニットとしての周囲の期待を裏切らず、牧歌的なヨーロピアンテイストを振りまきながらも内に秘めた激しさも垣間見せる表裏一体の「阿修羅FACE」を見せる形となっているところが、本作の実に興味深い部分と言えるのではないでしょうか。
結局本ユニットの作品は本作で打ち止め、ユニットも夫婦も解散しそれぞれ別の道に歩む2人ですが、ヴォーカルの武末淑子は「高取淑子」として90年代末にアジアンテイストを獲得したシンガーソングライターとしてデビューし、現在もマイペースに息長く活動を続けています。しかし武末充敏は福岡でも有名なインテリアショップを運営するなど音楽から離れていますので、これまでの経緯から考えても再始動は叶わないとは思いますが、本作は2013年にリマスターもされるなど、（活動当時からは想像できないほど）長く語り継がれています。
＜Favorite Songs＞
・「DADA」
彼らの楽曲にしてはメカニカル感が強調されたエレポップチューン。このメカニカル感は間違いなく強烈に主張するリズムトラックによるものでしょう。ゲートリバーブを惜しげも無く施されたタムの乱れ打ちが、相変わらずの長閑なメロディに唐辛子をぶち込むがごとくグイグイとパワーを注入していきます。間奏のドラムマシンソロは圧巻です。
・「LOOK」
前曲からクロスフェードしてくるメランコリック＆ヨーロピアン情緒たっぷりのジャジーなおしゃれポップ。生き生きとした河崎正芳のオルガンプレイが美しく、打ち込み中心の本作にあってフィジカルな要素に温かみを感じるエレガントチューンです。
・「ガス燈の下で」
本作でもエレクトロな風味を味わせてくれるハードボイルドなデジタルポップ。ボイス変調によるフレーズを多用したり、キレ重視の尖った音色を中心にしたり、彼らにしては攻撃的なサウンドですが、救いは良い意味でのヴォーカルの線の細さ。奇妙なエンディングも面白いです。
＜評点＞
・サウンド ★★ （手作り感満載の音作りの温かさを感じる音処理）
・メロディ ★★ （輪郭のはっきりしないフレーズが幸福感を誘う）
・リズム ★★★ （長閑な楽曲にしてはなかなかの派手好みなプログラム）
・曲構成 ★★ （地味な楽曲も多いが効果的なエレクトロがスパイスに）
・個性 ★★ （時代背景もあってネオアコ的だがエレクトロ色が強い）
総合評点： 7点
FLAT FACE
＜members＞
武末淑子：vocal
武末充敏：all instruments
1.「HONEYMOON IN PARIS」 詞・曲・編：FLAT FACE
2.「DADA」 詞：FLAT FACE 曲：河崎正芳・FLAT FACE 編：FLAT FACE
3.「LOOK」 詞・曲・編：FLAT FACE
4.「シェリーに口づけ」 詞・曲：Michael Polnareff 編：FLAT FACE
5.「池を越えて」 詞・曲・編：FLAT FACE
6.「ガス燈の下で」 詞・曲・編：FLAT FACE
7.「私もヒゲが欲しい」 詞・曲・編：FLAT FACE
8.「新しいシャンソン」 詞・曲・編：FLAT FACE
9.「MBA」 詞・曲・編：FLAT FACE
10.「日々の泡」 詞・曲・編：FLAT FACE
＜support musician＞
松本キヨノブ：guitar
河崎正芳：keyboard
produced by FLAT FACE
co-produced by 藤井丈司
engineered by 重藤功・重藤進
● 家内制手工業的ヨーロッパ旅行のお土産といった風情に両面性が垣間見える多重録音夫婦デュオ唯一の作品
1970年代の日本ロック黎明期に2枚のアルバムを残した伝説のロックバンド葡萄畑のオリジナルドラマーであった武末充敏は、80年代に入ると東京に別れを告げ故郷である福岡に拠点を移します。80年代は多重録音急成長期ということもあり、武末は妻である武末淑子と夫婦多重録音ユニットFLAT FACEを結成、彼らのデモソングが当時設立したばかりのMIDIレコードの目に止まり、1986年1stアルバムである本作のリリースに至ります。坂本龍一や大貫妙子、EPO、立花ハジメ、鈴木さえ子・矢野顕子ら錚々たるメンバーであった初期MIDIにあっては、沢村満率いるMICH LIVEや野見祐二のデビューユニット・おしゃれテレビといった無名の実力派ユニットも名を連ねていましたが、その中でもFLAT FACEは比較的匿名性が高いユニットという認識が強く、先行シングル「HONEYMOON IN PARIS」においてその牧歌的エレポップといった風情は確認できてはいたものの、本作においてその全貌が明らかになったのでした。
さて本作の蓋を開けてみれば、まず前述の「HONEYMOON IN PARIS」の牧歌的世界観にグッと引き寄せられるわけですが、まずは武末淑子の大貫妙子ばりの清涼感を漂わせた上品な声質によるヴォーカルに否が応でも耳を捉えます。リバーブ感たっぷりのヴォーカルパートと、ギター、ドラムマシン＆シンセが中心の音数の少ないオーガニックなサウンドは、過激なサウンドを求め過ぎていた80年代後半に差し掛かる時代にあって、ネオアコースティックと呼ばれるムーブメントを先取りするかのような先見性に優れたセンスを備えているといった印象を受けます。マシナリーになりがちなドラムマシンによるリズムパートでありながら、人間味を感じさせる温かなサウンドを維持し続けているのはやはり朴訥なフレーズを奏で続けるギターフレーズによるもので、特に「池を越えて」や「私もヒゲが欲しい」等ではフレットの音も生々しい手弾き音色の存在感がそのまま彼らのサウンド的個性として生きています。かたや「DADA」や「シェリーに口づけ」「ガス燈の下で」等ではリズムが強調されたり、ボイスサンプリングやエフェクトなどでエレクトリックな処理が活躍するなど（これにはDATE OF BIRTHの重藤兄弟によるミキシングの功績も大きいと思いますが）、打ち込み多重録音ユニットとしての周囲の期待を裏切らず、牧歌的なヨーロピアンテイストを振りまきながらも内に秘めた激しさも垣間見せる表裏一体の「阿修羅FACE」を見せる形となっているところが、本作の実に興味深い部分と言えるのではないでしょうか。
結局本ユニットの作品は本作で打ち止め、ユニットも夫婦も解散しそれぞれ別の道に歩む2人ですが、ヴォーカルの武末淑子は「高取淑子」として90年代末にアジアンテイストを獲得したシンガーソングライターとしてデビューし、現在もマイペースに息長く活動を続けています。しかし武末充敏は福岡でも有名なインテリアショップを運営するなど音楽から離れていますので、これまでの経緯から考えても再始動は叶わないとは思いますが、本作は2013年にリマスターもされるなど、（活動当時からは想像できないほど）長く語り継がれています。
＜Favorite Songs＞
・「DADA」
彼らの楽曲にしてはメカニカル感が強調されたエレポップチューン。このメカニカル感は間違いなく強烈に主張するリズムトラックによるものでしょう。ゲートリバーブを惜しげも無く施されたタムの乱れ打ちが、相変わらずの長閑なメロディに唐辛子をぶち込むがごとくグイグイとパワーを注入していきます。間奏のドラムマシンソロは圧巻です。
・「LOOK」
前曲からクロスフェードしてくるメランコリック＆ヨーロピアン情緒たっぷりのジャジーなおしゃれポップ。生き生きとした河崎正芳のオルガンプレイが美しく、打ち込み中心の本作にあってフィジカルな要素に温かみを感じるエレガントチューンです。
・「ガス燈の下で」
本作でもエレクトロな風味を味わせてくれるハードボイルドなデジタルポップ。ボイス変調によるフレーズを多用したり、キレ重視の尖った音色を中心にしたり、彼らにしては攻撃的なサウンドですが、救いは良い意味でのヴォーカルの線の細さ。奇妙なエンディングも面白いです。
＜評点＞
・サウンド ★★ （手作り感満載の音作りの温かさを感じる音処理）
・メロディ ★★ （輪郭のはっきりしないフレーズが幸福感を誘う）
・リズム ★★★ （長閑な楽曲にしてはなかなかの派手好みなプログラム）
・曲構成 ★★ （地味な楽曲も多いが効果的なエレクトロがスパイスに）
・個性 ★★ （時代背景もあってネオアコ的だがエレクトロ色が強い）
総合評点： 7点
「LIFE」 大沢誉志幸
「LIFE」（1986 エピックソニー）
大沢誉志幸：vocal・chorus
1.「I’m not living (But) I’m not dying」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
2.「Planet love」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
3.「Blue-Break-Blue」 詞・曲：大沢誉志幸 編：矢口博康
4.「ジェランディア <願望国>」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山・矢口博康
5.「雨のecho」 詞・曲：大沢誉志幸 編：矢口博康
6.「ガラスの部屋」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
7.「クロール」 詞：銀色夏生 曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
8.「Time passes slowly」 詞・曲：Bob Dylan 編：ホッピー神山
＜support musician＞
板倉文：guitar
柴山和彦：guitar
MECKEN：bass・chorus
矢壁カメオ：drums・drum machine
川島バナナ：三角シンセ（triangle synthesizer）
福原まり：piano・足踏みオルガン・strings arrangement
ホッピー神山：keyboards・piano・chorus
Whacho：percussions・chorus
MA*TO：tabla
清水一登：marimba
兼崎順一：trumpet
原田靖：trombone
宇都宮明美：trombone・euphonium
沢村満：sax
矢口博康：sax・chorus
中西俊博グループ：strings
斎藤ネコ：violin
アーカー・キンダー・コール：chorus
岡村靖幸：chorus
produced by 大沢誉志幸
co-produced by 木崎賢治・小林和之
sound produced by ホッピー神山・矢口博康
mixing engineered by Michael Zimmering
recording engineered by Michael Zimmering・小池光夫
● ライブ録音とスタジオレコーディングのハイブリッドで臨場感を演出した新しい切り口の意欲作
中森明菜「1/2の神話」、吉川晃司「ラ・ヴィアンローズ」の作曲者としてその名を轟かせ、1984年のシングル「そして僕は途方に暮れる」で一躍トップアーティストに上り詰めた大沢誉志幸の一筋縄ではいかないところは、この大ヒット曲を最後にアレンジャー大村雅朗とのタッグを解消し、翌年のアルバム「in・Fin・ity」から当時新進気鋭の超絶技巧バンド、PINKのキーボーディストとして売り出し中であったホッピー神山をアレンジャーに迎え、時代を先取りしたポストニューウェーブサウンドへと大胆に舵を切ったその先鋭的なセンスにあります。岡野ハジメや矢壁アツノブといったPINKのリズム隊を迎えた猥雑なデジタルファンク（褒め言葉です）といった風情のサウンドメイクと数々のヒットソングを書き上げた大沢のソングライティングに、大沢自身のハスキーなヴォーカルとの相性も抜群の「in・Fin・ity」はまさに名盤の誉れ高い作品でしたが、その手応えのままホッピー神山プロデュースは翌年も継続され、86年にシングル「クロール」がしっかり三ツ矢サイダーのCMにタイアップされリリース、その勢いのままにリリースに至ったというのが、今回取り上げる本作というわけです。
さて、本作の最大の特徴といえばスタジオライブ録音、いわゆる一発録りによる素晴らしい臨場感に尽きるわけですが、そこは完全一発録りではなく、マルチレコーディングのパートを追加したハイブリッド録音となっています（なお、CD盤のみ収録の「クロール」「Time passes slowly」はボーナストラック扱いのマルチレコーディング）。それでも一発録りによる緊張感や心地よい残響音などは、もちろん本作で起用されたMichael Zimmeringのエッジの効いたミキシングの効果もありますが、その臨場感の演出に一役買っていると思われます。そして何と言ってもその臨場感を実現するには演奏者の優れたセンスが不可欠ということで、本作のアレンジャーであるホッピー神山と矢口博康を中心にクセのあるミュージシャンを各種取り揃えています。特にベーシストは前作の岡野ハジメから、Killing TimeのメンバーであるMECKEN（メッケン）が起用されていますが、彼が派手な岡野ハジメのベースプレイに負けずとも劣らない非常に複雑なフレーズで楽曲の底辺を支えており、彼の貢献度は非常に高いと思われます。そして彼の人脈なのか板倉文、清水一登、MA*TO、whacho等のKilling Time勢が多数参加しているということは、やはりその即興性に対応できる演奏力が配慮されたということかもしれません。なお、本作で最も生き生きと演奏しているのはアレンジも3曲任されている矢口博康で、もともとこうしたインプロビゼーションなサックスプレイに定評のある彼なので、本作でもいわゆる「吹きまくり」なプレイが十二分に堪能できます。結果として非常に冒険心に溢れたアレンジと即興性から生まれるテンションの高さが感じられる演奏力が詰まったアルバムに仕上がったと言えるでしょう。
大沢自身は既に80年代後半のコンセプトアルバムシリーズ「Serious Barbarian」への構想を描いていたと思われ、本作は言うなればその構想の礎となった過渡期的作品と言えるかもしれませんが、まずは本作のフィジカル性に寄せたアルバム「SCRAP STORIES」をリリース、サウンド＆コンセプト面での冒険心はひとまず心に温めることになります。
＜Favorite Songs＞
・「I’m not living (But) I’m not dying」
尖ったフレージングが魅力の直球デジタルファンクナンバー。スタジオライブ特有の臨場感による深みのあるリズム音処理が味わい深いのですが、間奏ではフリーキーに暴れ回る板倉文のギターソロに加えて、矢口博康が気持ちよさそうにサックスを自由奔放に吹き回るカオスな状況は、まさに本作のサウンドコンセプトの意図する部分なのでしょう。
・「雨のecho」
矢壁アツノブによる強烈なビートとMECKENのスラップベースによる個性的なリズム隊が主張する矢口博康アレンジのファンクチューン。疾走感という点では本作随一ですが、奔放すぎるサックスプレイもさることながら、なんとギターレスという点にも驚きです。
・「クロール」
CD盤のみ収録であった先行シングル。ボトムの効いたドラムに独特の乾いたシンセフレーズが絡んでいきます。ギターの音処理やリバーブの効いたデジタルピアノなどの夏を思い起こさせるサウンド処理はなんとも爽やかです。途中の強引な転調部分も意外性があって興味深い仕掛けです。
＜評点＞
・サウンド ★★★ （冒険心に溢れ緊張感もあるスリリングなサウンドが満載）
・メロディ ★ （コンセプト上ヒットメイカーとしての側面は影を潜める）
・リズム ★★★★ （ライブ感を見事に演出する相性の良いドラムとベース）
・曲構成 ★ （本作のコンセプトから察するにラスト2曲は不必要かも）
・個性 ★★ （よりフィジカルとエレクトロの融合に走るきっかけに）
総合評点： 7点
大沢誉志幸：vocal・chorus
1.「I’m not living (But) I’m not dying」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
2.「Planet love」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
3.「Blue-Break-Blue」 詞・曲：大沢誉志幸 編：矢口博康
4.「ジェランディア <願望国>」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山・矢口博康
5.「雨のecho」 詞・曲：大沢誉志幸 編：矢口博康
6.「ガラスの部屋」 詞・曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
7.「クロール」 詞：銀色夏生 曲：大沢誉志幸 編：ホッピー神山
8.「Time passes slowly」 詞・曲：Bob Dylan 編：ホッピー神山
＜support musician＞
板倉文：guitar
柴山和彦：guitar
MECKEN：bass・chorus
矢壁カメオ：drums・drum machine
川島バナナ：三角シンセ（triangle synthesizer）
福原まり：piano・足踏みオルガン・strings arrangement
ホッピー神山：keyboards・piano・chorus
Whacho：percussions・chorus
MA*TO：tabla
清水一登：marimba
兼崎順一：trumpet
原田靖：trombone
宇都宮明美：trombone・euphonium
沢村満：sax
矢口博康：sax・chorus
中西俊博グループ：strings
斎藤ネコ：violin
アーカー・キンダー・コール：chorus
岡村靖幸：chorus
produced by 大沢誉志幸
co-produced by 木崎賢治・小林和之
sound produced by ホッピー神山・矢口博康
mixing engineered by Michael Zimmering
recording engineered by Michael Zimmering・小池光夫
● ライブ録音とスタジオレコーディングのハイブリッドで臨場感を演出した新しい切り口の意欲作
中森明菜「1/2の神話」、吉川晃司「ラ・ヴィアンローズ」の作曲者としてその名を轟かせ、1984年のシングル「そして僕は途方に暮れる」で一躍トップアーティストに上り詰めた大沢誉志幸の一筋縄ではいかないところは、この大ヒット曲を最後にアレンジャー大村雅朗とのタッグを解消し、翌年のアルバム「in・Fin・ity」から当時新進気鋭の超絶技巧バンド、PINKのキーボーディストとして売り出し中であったホッピー神山をアレンジャーに迎え、時代を先取りしたポストニューウェーブサウンドへと大胆に舵を切ったその先鋭的なセンスにあります。岡野ハジメや矢壁アツノブといったPINKのリズム隊を迎えた猥雑なデジタルファンク（褒め言葉です）といった風情のサウンドメイクと数々のヒットソングを書き上げた大沢のソングライティングに、大沢自身のハスキーなヴォーカルとの相性も抜群の「in・Fin・ity」はまさに名盤の誉れ高い作品でしたが、その手応えのままホッピー神山プロデュースは翌年も継続され、86年にシングル「クロール」がしっかり三ツ矢サイダーのCMにタイアップされリリース、その勢いのままにリリースに至ったというのが、今回取り上げる本作というわけです。
さて、本作の最大の特徴といえばスタジオライブ録音、いわゆる一発録りによる素晴らしい臨場感に尽きるわけですが、そこは完全一発録りではなく、マルチレコーディングのパートを追加したハイブリッド録音となっています（なお、CD盤のみ収録の「クロール」「Time passes slowly」はボーナストラック扱いのマルチレコーディング）。それでも一発録りによる緊張感や心地よい残響音などは、もちろん本作で起用されたMichael Zimmeringのエッジの効いたミキシングの効果もありますが、その臨場感の演出に一役買っていると思われます。そして何と言ってもその臨場感を実現するには演奏者の優れたセンスが不可欠ということで、本作のアレンジャーであるホッピー神山と矢口博康を中心にクセのあるミュージシャンを各種取り揃えています。特にベーシストは前作の岡野ハジメから、Killing TimeのメンバーであるMECKEN（メッケン）が起用されていますが、彼が派手な岡野ハジメのベースプレイに負けずとも劣らない非常に複雑なフレーズで楽曲の底辺を支えており、彼の貢献度は非常に高いと思われます。そして彼の人脈なのか板倉文、清水一登、MA*TO、whacho等のKilling Time勢が多数参加しているということは、やはりその即興性に対応できる演奏力が配慮されたということかもしれません。なお、本作で最も生き生きと演奏しているのはアレンジも3曲任されている矢口博康で、もともとこうしたインプロビゼーションなサックスプレイに定評のある彼なので、本作でもいわゆる「吹きまくり」なプレイが十二分に堪能できます。結果として非常に冒険心に溢れたアレンジと即興性から生まれるテンションの高さが感じられる演奏力が詰まったアルバムに仕上がったと言えるでしょう。
大沢自身は既に80年代後半のコンセプトアルバムシリーズ「Serious Barbarian」への構想を描いていたと思われ、本作は言うなればその構想の礎となった過渡期的作品と言えるかもしれませんが、まずは本作のフィジカル性に寄せたアルバム「SCRAP STORIES」をリリース、サウンド＆コンセプト面での冒険心はひとまず心に温めることになります。
＜Favorite Songs＞
・「I’m not living (But) I’m not dying」
尖ったフレージングが魅力の直球デジタルファンクナンバー。スタジオライブ特有の臨場感による深みのあるリズム音処理が味わい深いのですが、間奏ではフリーキーに暴れ回る板倉文のギターソロに加えて、矢口博康が気持ちよさそうにサックスを自由奔放に吹き回るカオスな状況は、まさに本作のサウンドコンセプトの意図する部分なのでしょう。
・「雨のecho」
矢壁アツノブによる強烈なビートとMECKENのスラップベースによる個性的なリズム隊が主張する矢口博康アレンジのファンクチューン。疾走感という点では本作随一ですが、奔放すぎるサックスプレイもさることながら、なんとギターレスという点にも驚きです。
・「クロール」
CD盤のみ収録であった先行シングル。ボトムの効いたドラムに独特の乾いたシンセフレーズが絡んでいきます。ギターの音処理やリバーブの効いたデジタルピアノなどの夏を思い起こさせるサウンド処理はなんとも爽やかです。途中の強引な転調部分も意外性があって興味深い仕掛けです。
＜評点＞
・サウンド ★★★ （冒険心に溢れ緊張感もあるスリリングなサウンドが満載）
・メロディ ★ （コンセプト上ヒットメイカーとしての側面は影を潜める）
・リズム ★★★★ （ライブ感を見事に演出する相性の良いドラムとベース）
・曲構成 ★ （本作のコンセプトから察するにラスト2曲は不必要かも）
・個性 ★★ （よりフィジカルとエレクトロの融合に走るきっかけに）
総合評点： 7点
「Music That You Can Dance To」 SPARKS
「Music That You Can Dance To」 (1986 Curb）
SPARKS
＜members＞
Russell Mael：vocals
Ron Mael：Fairlight・Roland Jupiter8・Yamaha DX-7
1.「Music That You Can Dance To」 Ron Mael/Russell Mael
2.「Rosebud」 Ron Mael/Russell Mael
3.「Fingertips」 Clarence Paul/Henry Cosby
4.「Armies Of The Night」 Ron Mael/Russell Mae
5.「The Scene」 Ron Mael/Russell Mael
6.「Shopping Mall Of Love」 Ron Mael/Russell Mae
7.「Modesty Plays (New Version)」 Ron Mael/Russell Mae
8.「Let’s Get Funky」 Ron Mael/Russell Mae
＜support musician＞
Robert Mache：guitar
Bob Haag：Endodyne guitars・Roland synthesizers・backing vocals
Leslie Bohem：bass・backing vocals
David Kendrick：drums
John Thomas：keyboards
produced by Ron Mael・Russell Mael・Greg Penny
engineered by Dan Lacksman
● サンプラーを導入し硬質なデジタルサウンドに進化したベテラン兄弟ユニットのダンサブルエレクトロポップ作品
1972年から時代に合わせてそのサウンドスタイルをカメレオンのように変化させながら、そのひねくれたユーモアと大胆さを兼ね備えていたアメリカL.A.の兄弟ユニットSPARKSは、79年リリースの名盤「No.1 In Heaven」でテクノポップブームの火付け役の一端を担うなど怒涛のエレポップ期に突入、80年代前半は5枚のアルバムを立て続けにリリースするなどその精力的な活動に拍車がかかっていきました。しかしブームとは過ぎ去るもので雨後の筍のように現れるエレポップグループの波にかき消されるようにその存在感が希薄になったSPARKSは、80年代後半にはメインストリームからは忘れ去られたような雰囲気になってしまいます。ところが彼らはここで果敢にもFairlight CMIシリーズを導入したハイパーなエレポップを志向してその遊び心を持て余した時期であったようで、その興味深い時期の作品である本作は、「No.1 In Heaven」とは違ったアプローチによるダンサブルマシンビートなサウンドで、チャレンジ精神豊かな楽曲を多く収録している好作品となりました。
Fairlightというモンスターサンプラーを大フィーチャーした本作に特徴は何といってもゴリゴリに駆け巡る16ビートのシンセベースと、これでもかと繰り出されるオーケストラヒットでしょう。そこに時代性の象徴とも言えるビッグパワーなドラムサウンドが絡んでくるわけですから、そのマシナリー感覚が尋常ではありません。それでも前半4曲はまだ大人しく遠慮さえ感じられがちなのですが、後半（レコードにおけるB面）一発目の「The Scene」からの怒涛の攻撃的なサンプラーフレーズの嵐には度肝を抜かれます。もちろん彼ら特有のストレンジポップな部分は維持されており、ポップソングとして成立しながらのこの冒険的なサウンドデザインですから、そのチャレンジ精神には相変わらず驚かされるところです。それにしてもこのスラップをサンプルしたベースをページRでシーケンスしたような独特のゴリゴリベースラインにはテンション上がりますし、執拗なオーケストラヒットにはやり過ぎ感でそのしつこさに悲鳴を上げたくなるくらいなのですが、80年代中期から後期にかけてのエレポップが飽きられていた時代だからこそ、こうした過激なサウンドが許されていたのであって、このようなサウンドは現在では古臭いと感じるか、逆に刺激的と捉えるかはリスナー次第といったところであると思われます。しかし本ブログの読者であれば気に入っていただけるほどのテクノロジー度満載のサウンドデザインが施されていますので、その点に関しては保証しておきたいです。時代に合わせて変身していった彼らのミドル80'sだからこそ生まれた隠れた名盤と言えるでしょう。
＜Favorite Songs＞
・「The Scene」
ストーリーを感じさせるような壮大な展開を見せる激動のサンプラーエレポップ。全体を引っ張っていく派手なスラップサンプリングのベースライン、圧力をかけまくる過激なオケヒット、中盤のブレイクからはインダストリアルなメタリックリズムで場面転換、このやり過ぎオーバーヒートな感じは個人的に大好物です。
・「Shopping Mall Of Love」
爆音ドラムをバックにしたポエトリーリーディング中心の挑戦的な楽曲。全体的に使用している音色は少なめながらも、全てを打ち消すかのような深いゲートリバーブをかけまくったリズムに漲る不気味なパワーと日常的なタイトルとのコントラストが面白いです。
・「Let’s Get Funky」
ミディアムなビートに乗った緩やかなダンスチューンと言いつつも、メインフレーズをオケヒットの連続で担わせているため、その暑苦しさが半端ではありません。ビーンッといった電子音もその執拗さに拍車をかけていますし、彼らなりの歪んだデジタルファンク精神が堪能できて非常に興味深いです。
＜評点＞
・サウンド ★★★★★ （本作は過激に繰り出されるベースとオケヒットに尽きる）
・メロディ ★ （圧力の高いサウンドにあって楽曲は幾分地味だったかも）
・リズム ★★★ （80'sの彼らのどの作品よりもドラムの圧が強力）
・曲構成 ★ （前半の停滞感が嘘のように後半に勢いが急上昇）
・個性 ★★ （彼らの歴史の中でも評価が定まらないのが惜しい）
総合評点： 7点
SPARKS
＜members＞
Russell Mael：vocals
Ron Mael：Fairlight・Roland Jupiter8・Yamaha DX-7
1.「Music That You Can Dance To」 Ron Mael/Russell Mael
2.「Rosebud」 Ron Mael/Russell Mael
3.「Fingertips」 Clarence Paul/Henry Cosby
4.「Armies Of The Night」 Ron Mael/Russell Mae
5.「The Scene」 Ron Mael/Russell Mael
6.「Shopping Mall Of Love」 Ron Mael/Russell Mae
7.「Modesty Plays (New Version)」 Ron Mael/Russell Mae
8.「Let’s Get Funky」 Ron Mael/Russell Mae
＜support musician＞
Robert Mache：guitar
Bob Haag：Endodyne guitars・Roland synthesizers・backing vocals
Leslie Bohem：bass・backing vocals
David Kendrick：drums
John Thomas：keyboards
produced by Ron Mael・Russell Mael・Greg Penny
engineered by Dan Lacksman
● サンプラーを導入し硬質なデジタルサウンドに進化したベテラン兄弟ユニットのダンサブルエレクトロポップ作品
1972年から時代に合わせてそのサウンドスタイルをカメレオンのように変化させながら、そのひねくれたユーモアと大胆さを兼ね備えていたアメリカL.A.の兄弟ユニットSPARKSは、79年リリースの名盤「No.1 In Heaven」でテクノポップブームの火付け役の一端を担うなど怒涛のエレポップ期に突入、80年代前半は5枚のアルバムを立て続けにリリースするなどその精力的な活動に拍車がかかっていきました。しかしブームとは過ぎ去るもので雨後の筍のように現れるエレポップグループの波にかき消されるようにその存在感が希薄になったSPARKSは、80年代後半にはメインストリームからは忘れ去られたような雰囲気になってしまいます。ところが彼らはここで果敢にもFairlight CMIシリーズを導入したハイパーなエレポップを志向してその遊び心を持て余した時期であったようで、その興味深い時期の作品である本作は、「No.1 In Heaven」とは違ったアプローチによるダンサブルマシンビートなサウンドで、チャレンジ精神豊かな楽曲を多く収録している好作品となりました。
Fairlightというモンスターサンプラーを大フィーチャーした本作に特徴は何といってもゴリゴリに駆け巡る16ビートのシンセベースと、これでもかと繰り出されるオーケストラヒットでしょう。そこに時代性の象徴とも言えるビッグパワーなドラムサウンドが絡んでくるわけですから、そのマシナリー感覚が尋常ではありません。それでも前半4曲はまだ大人しく遠慮さえ感じられがちなのですが、後半（レコードにおけるB面）一発目の「The Scene」からの怒涛の攻撃的なサンプラーフレーズの嵐には度肝を抜かれます。もちろん彼ら特有のストレンジポップな部分は維持されており、ポップソングとして成立しながらのこの冒険的なサウンドデザインですから、そのチャレンジ精神には相変わらず驚かされるところです。それにしてもこのスラップをサンプルしたベースをページRでシーケンスしたような独特のゴリゴリベースラインにはテンション上がりますし、執拗なオーケストラヒットにはやり過ぎ感でそのしつこさに悲鳴を上げたくなるくらいなのですが、80年代中期から後期にかけてのエレポップが飽きられていた時代だからこそ、こうした過激なサウンドが許されていたのであって、このようなサウンドは現在では古臭いと感じるか、逆に刺激的と捉えるかはリスナー次第といったところであると思われます。しかし本ブログの読者であれば気に入っていただけるほどのテクノロジー度満載のサウンドデザインが施されていますので、その点に関しては保証しておきたいです。時代に合わせて変身していった彼らのミドル80'sだからこそ生まれた隠れた名盤と言えるでしょう。
＜Favorite Songs＞
・「The Scene」
ストーリーを感じさせるような壮大な展開を見せる激動のサンプラーエレポップ。全体を引っ張っていく派手なスラップサンプリングのベースライン、圧力をかけまくる過激なオケヒット、中盤のブレイクからはインダストリアルなメタリックリズムで場面転換、このやり過ぎオーバーヒートな感じは個人的に大好物です。
・「Shopping Mall Of Love」
爆音ドラムをバックにしたポエトリーリーディング中心の挑戦的な楽曲。全体的に使用している音色は少なめながらも、全てを打ち消すかのような深いゲートリバーブをかけまくったリズムに漲る不気味なパワーと日常的なタイトルとのコントラストが面白いです。
・「Let’s Get Funky」
ミディアムなビートに乗った緩やかなダンスチューンと言いつつも、メインフレーズをオケヒットの連続で担わせているため、その暑苦しさが半端ではありません。ビーンッといった電子音もその執拗さに拍車をかけていますし、彼らなりの歪んだデジタルファンク精神が堪能できて非常に興味深いです。
＜評点＞
・サウンド ★★★★★ （本作は過激に繰り出されるベースとオケヒットに尽きる）
・メロディ ★ （圧力の高いサウンドにあって楽曲は幾分地味だったかも）
・リズム ★★★ （80'sの彼らのどの作品よりもドラムの圧が強力）
・曲構成 ★ （前半の停滞感が嘘のように後半に勢いが急上昇）
・個性 ★★ （彼らの歴史の中でも評価が定まらないのが惜しい）
総合評点： 7点
「Vicious Pink」 Vicious Pink
「Vicious Pink」（1986 Capitol）
Vicious Pink
＜members＞
Brian Moss：keyboards
Josephine Warden：vocals
1.「Cccan’t You See」 Brian Moss/Josephine Warden
2.「Spooky」 Harry Middlebrooks/Mike Sharpe
3.「The Spaceship Is Over There」 Josephine Warden
4.「Blue (Love Mix)」 Brian Moss/Josephine Warden
5.「Fetish」 Brian Moss/Josephine Warden
6.「Take Me Now」 John David
7.「Always Hoping」 Brian Moss/Josephine Warden
8.「8:15 To Nowhere / Great Balls Of Fire」 Jack Hammer/Otis Blackwell/Brian Moss
9.「Cccan’t You See (Exxx-tended Re-Mixxx)」 Brian Moss/Josephine Warden
produced by Tony Mansfield・Gary Moberley
engineered by John "Tokes" Posotoker・Martin Webster
● 粗さの残るサイバーな質感が硬質な味を漂わせるマイナーエレポップデュオ唯一のベスト盤的アルバム
1982年「Private My Tokyo」というジャパンリスペクトなシングルでデビューしたシンセポップデュオVicious Pink Phenomena。Soft CellのバッキングヴォーカルとしてキャリアをスタートしたBrian MossとJosephine Wardenの2人によるこのユニットは、Soft CellのDavid Ballのプロデュースによる妖艶でストレンジなサウンドを引っ提げて前述の楽曲を含む2枚のシングルをリリースしたものの完全に当時のエレポップシーンの渦中に埋もれてしまう形となりました。しかし84年に心機一転、Vicious Pinkとユニット名を簡略化し、さらに元New MuzikのTony Mansfieldをプロデュースに迎えた3rdシングル「Cccan't You See... 」がマイナーヒットとなり、80'sを過ごした音楽好きの人々の記憶の片隅にその名を残すことになるわけです。その後も「Fetish」「Take Me Now」と立て続けにシングルをリリースした彼らですが、1stアルバムとしてレコーディングされた「Blue」はレコード会社との軋轢もあってお蔵入りとなってしまい、結局活動休止後の86年に申し訳程度にリリースされたシングル曲の編集盤が本作になります。
前述の通り本作はリネーム後の84年〜85年に彼らが残した3枚のシングルを集めた形となっているベスト盤ですが、そのサウンドはNew Muzikの3rdアルバム「Warp」からTony MansfieldがFairlight CMIに凝りまくっていたという背景もあって、PCM音源によるリズムを基調としたゴリゴリのサンプリング＆シーケンスサウンドで埋め尽くされています。しかしながらFairlight CMIに耳を奪われがちなサウンドながら、Brian Mossが使用していた機材にはRoland製のシンセ＆リズムマシンが多く、特に「Cccan’t You See」や「Fetish」といった楽曲にはTB-303が使用されており、まだアシッドマシーンとして認知される前のチープなベースシンセであったTB-303を（あの特徴的なレゾナンスを強調することなしに）活用していた先進性を垣間見せているところは興味深いものがあります。なお、5thシングル「Take Me Now」からは後年Prefab Sprout「From Langley Park To Memphis」にも参加していたGary Moberleyをプロデューサーに迎えていますが、彼もいわゆる「トニマンサウンド」を継承した硬質なミドル80'sサウンドを構築しており、シングル編集盤とはいえ意外と統一感の感じられる内容となっています。楽曲自体は平凡の域を出ないものの、Tony Mansfield直伝の人口甘味料的デジタリズムエレクトリックサウンドで魅了した彼らですが、この編集盤を持って活動を停止してしまいます。しかしお蔵入りとなった幻のアルバム「Blue」はまだロンドンのアビーロードスタジオに保管されているそうですので、いつの日か陽の目を見ることを期待したいところです。
＜Favorite Songs＞
・「Cccan’t You See」
彼らの名を一躍知らしめた最大（といってもマイナーですが）のヒットシングル。いかにもFairlight仕掛けですよ、と言わんばかりのサイバーなシーケンスにアンニュイなヴォーカルのリフレインがサンプリングまじりに繰り返されるというダンスチューンです。
・「Spooky」
4thシングル「Fetish」の両A面となった60年代オールディーズナンバーのリメイク。コクの深いベースフレーズにサンプラーによる強烈なスネアが楽曲を引っ張っており、その硬質な肌触りは原曲を忘れさせるほどの流石のTony Mansfield仕事です。
・「Always Hoping」
5thシングル「Take Me Now」のカップリング楽曲。彼ららしい実験精神が見え隠れするシンセポップで、軽快なシンセベースラインにキレのあるリズム、空間を意識したシンセサウンド、遊び感覚を感じるリズムトラックが楽しいB面ならではのマニアックチューンです。
＜評点＞
・サウンド ★★★ （トニマン人工サウンドによる仕掛け豊富なテクノ）
・メロディ ★ （典型的なサウンド偏重タイプの楽曲に特化している）
・リズム ★★★ （音作りと組み立て方は流石にミドル80'sらしさが）
・曲構成 ★ （シングルの寄せ集めではなくやはりアルバムを）
・個性 ★ （過激な音は光るが当のメンバーの個性につながらず）
総合評点： 6点
Vicious Pink
＜members＞
Brian Moss：keyboards
Josephine Warden：vocals
1.「Cccan’t You See」 Brian Moss/Josephine Warden
2.「Spooky」 Harry Middlebrooks/Mike Sharpe
3.「The Spaceship Is Over There」 Josephine Warden
4.「Blue (Love Mix)」 Brian Moss/Josephine Warden
5.「Fetish」 Brian Moss/Josephine Warden
6.「Take Me Now」 John David
7.「Always Hoping」 Brian Moss/Josephine Warden
8.「8:15 To Nowhere / Great Balls Of Fire」 Jack Hammer/Otis Blackwell/Brian Moss
9.「Cccan’t You See (Exxx-tended Re-Mixxx)」 Brian Moss/Josephine Warden
produced by Tony Mansfield・Gary Moberley
engineered by John "Tokes" Posotoker・Martin Webster
● 粗さの残るサイバーな質感が硬質な味を漂わせるマイナーエレポップデュオ唯一のベスト盤的アルバム
1982年「Private My Tokyo」というジャパンリスペクトなシングルでデビューしたシンセポップデュオVicious Pink Phenomena。Soft CellのバッキングヴォーカルとしてキャリアをスタートしたBrian MossとJosephine Wardenの2人によるこのユニットは、Soft CellのDavid Ballのプロデュースによる妖艶でストレンジなサウンドを引っ提げて前述の楽曲を含む2枚のシングルをリリースしたものの完全に当時のエレポップシーンの渦中に埋もれてしまう形となりました。しかし84年に心機一転、Vicious Pinkとユニット名を簡略化し、さらに元New MuzikのTony Mansfieldをプロデュースに迎えた3rdシングル「Cccan't You See... 」がマイナーヒットとなり、80'sを過ごした音楽好きの人々の記憶の片隅にその名を残すことになるわけです。その後も「Fetish」「Take Me Now」と立て続けにシングルをリリースした彼らですが、1stアルバムとしてレコーディングされた「Blue」はレコード会社との軋轢もあってお蔵入りとなってしまい、結局活動休止後の86年に申し訳程度にリリースされたシングル曲の編集盤が本作になります。
前述の通り本作はリネーム後の84年〜85年に彼らが残した3枚のシングルを集めた形となっているベスト盤ですが、そのサウンドはNew Muzikの3rdアルバム「Warp」からTony MansfieldがFairlight CMIに凝りまくっていたという背景もあって、PCM音源によるリズムを基調としたゴリゴリのサンプリング＆シーケンスサウンドで埋め尽くされています。しかしながらFairlight CMIに耳を奪われがちなサウンドながら、Brian Mossが使用していた機材にはRoland製のシンセ＆リズムマシンが多く、特に「Cccan’t You See」や「Fetish」といった楽曲にはTB-303が使用されており、まだアシッドマシーンとして認知される前のチープなベースシンセであったTB-303を（あの特徴的なレゾナンスを強調することなしに）活用していた先進性を垣間見せているところは興味深いものがあります。なお、5thシングル「Take Me Now」からは後年Prefab Sprout「From Langley Park To Memphis」にも参加していたGary Moberleyをプロデューサーに迎えていますが、彼もいわゆる「トニマンサウンド」を継承した硬質なミドル80'sサウンドを構築しており、シングル編集盤とはいえ意外と統一感の感じられる内容となっています。楽曲自体は平凡の域を出ないものの、Tony Mansfield直伝の人口甘味料的デジタリズムエレクトリックサウンドで魅了した彼らですが、この編集盤を持って活動を停止してしまいます。しかしお蔵入りとなった幻のアルバム「Blue」はまだロンドンのアビーロードスタジオに保管されているそうですので、いつの日か陽の目を見ることを期待したいところです。
＜Favorite Songs＞
・「Cccan’t You See」
彼らの名を一躍知らしめた最大（といってもマイナーですが）のヒットシングル。いかにもFairlight仕掛けですよ、と言わんばかりのサイバーなシーケンスにアンニュイなヴォーカルのリフレインがサンプリングまじりに繰り返されるというダンスチューンです。
・「Spooky」
4thシングル「Fetish」の両A面となった60年代オールディーズナンバーのリメイク。コクの深いベースフレーズにサンプラーによる強烈なスネアが楽曲を引っ張っており、その硬質な肌触りは原曲を忘れさせるほどの流石のTony Mansfield仕事です。
・「Always Hoping」
5thシングル「Take Me Now」のカップリング楽曲。彼ららしい実験精神が見え隠れするシンセポップで、軽快なシンセベースラインにキレのあるリズム、空間を意識したシンセサウンド、遊び感覚を感じるリズムトラックが楽しいB面ならではのマニアックチューンです。
＜評点＞
・サウンド ★★★ （トニマン人工サウンドによる仕掛け豊富なテクノ）
・メロディ ★ （典型的なサウンド偏重タイプの楽曲に特化している）
・リズム ★★★ （音作りと組み立て方は流石にミドル80'sらしさが）
・曲構成 ★ （シングルの寄せ集めではなくやはりアルバムを）
・個性 ★ （過激な音は光るが当のメンバーの個性につながらず）
総合評点： 6点
「AVEC」 大江千里
「AVEC」（1986 エピックソニー）
大江千里：vocal・piano
1.「きみと生きたい」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
2.「コインローファーはえらばない」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
3.「17℃」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
4.「マリアじゃない」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
5.「去りゆく青春」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
6.「長距離走者の孤独」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
7.「本降りになったら」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
8.「ゆめみるモダンクリスマス」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
9.「BOY MEETS GIRL」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
10.「AVEC」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
＜support musician＞
渡辺美里：vocal・background vocals
松原正樹：guitar
伊藤広規：bass
高水健司：bass
青山純：drums
島村英二：drums
山木秀夫：drums
大村雅朗：keyboards
富樫春生：keyboards
西本明：keyboards
小室哲哉：synthesizer
斎藤ノブ：percussions
八木のぶお：harmonica
JOEストリングス：strings
溝口肇：cello
EPO：background vocals
中野豊：background vocals
Freddy Makio：background vocals
浦田恵司：computer programming
迫田到：computer programming
松武秀樹：computer programming
produced by 大江千里
engineered by 伊東俊郎
● どこまでも内省的！枯れてゆく心の痛みを叙情的に救い出し大人の階段を駆け上ったターニングポイント的初セルフプロデュース作
「未成年」「乳房」の2枚のアルバムによって一気にブレイクを果たした大江千里の1985年は、その充実した活動と引き換えにプロモーションやライブに多忙を極め、彼は心身共に疲弊を来すこととなり一旦充電期間としてロサンゼルスに渡ります。過去にも米国から帰国したミュージシャンが一皮むけて帰ってくるというパターンは多々ありますが、彼にとってはそれが音楽面というよりはむしろ人生観が変わることになり、帰国後制作された本作は初のセルフプロデュースによる生々しい感情と寂寥感が入り混じった何とも内省的な作品に仕上げてきました。そもそも彼の音楽性には「未成年」収録の「♮（ナチュラル）」のどこか鬱屈した闇のようなものが常につきまとっており、「乳房」に収録された天性のポップセンスが詰まった楽曲の中にも、人生の暗部を垣間見せる部分を隠していることが気になっていたのですが、本作ではその傾向を曝け出して本来の自分を精神的に開放させることで、結果的に音楽性の新境地に辿り着いたのではないでしょうか。そういう意味では彼にとっての転換期となる非常に重要な作品と言えると思われます。
本作のサウンド面の最大の特徴といえば、もちろんアレンジャーがこれまでの大江千里サウンドを全面的に支えてきた清水信之から、先進的なサウンドの導入にも貪欲であった80年代の代表的なアレンジャーであった大村雅朗に交代したことでしょう。しかし初期大沢誉志幸や吉川晃司等への過激な打ち込みサウンドは本作では影を潜め、前述のような大江の内省的な部分を正面から受け止め、当然時代性もあり緻密な打ち込みサウンドではあるものの柔らかめの質感にとどめており、アルバムとしての統一感を大事にした、羽目を外さない音づくりを心がけています。本作の雰囲気を支えているのは「きみと生きたい」「マリアじゃない」「去りゆく青春」「AVEC」といった孤独感溢れる静謐なバラードで、リリース当時は晩秋の時期ということもあってリスナーの心にグサッと突き刺さるものでしたが、これが人生のトンネルを抜け出た人物のスピリチュアルパワーというか、音楽への執念というか、そういう音楽的な「強さ」を感じさせます。サウンド面で特に目立つ部分もなく派手さがないと言えばそれまでですが、メロディの訴求力は（やや後ろ向きですが）抜きん出ており、その部分は本作のストロングポイントでもあり、本人でさえ大切な作品と言わしめる存在感の源であると言えるでしょう。
本作で持ち直した大江千里は次年のアルバム「OLYMPIC」以降完全に持ち直してさらなる成功を収めていきますが、2008年に再び米国にわたりジャズミュージシャンへと転向していくことになりますが、彼にその道を志させたのも本作前の充電期間の渡米がきっかけであったかもしれないことを考えますと、やはりミュージシャンの渡米というのはその音楽性に非常に影響力を持つものなのでしょう。。
＜Favorite Songs＞
・「17℃」
本作の中では最もプログラマブルな匂いのするクールな楽曲。郷ひろみ「Cool」や前作「乳房」の楽曲を彷佛とさせる冷たい空気感とキレのあるドラム、そして細かい譜割のシンセベースが実に小気味よく楽曲を支えています。
・「長距離走者の孤独」
快活なシンセブラスによる比較的ロックテイストを感じるポップチューン。とはいえ質感はどうしても寂寥感を隠せないものになっています。間奏では印象的かつギターライクなシンセソロを小室哲哉が客演しています。
・「BOY MEETS GIRL」
本作の寂寥感たるイメージを凝縮したようなミディアムチューン。サビの転調感覚が絶妙です。都会でもなく田舎でもなく、どこか地方都市のような微妙なシチュエーションをスバリ表現し切ったノスタルジーの境地とも言える青春ソングに仕上がっています。
＜評点＞
・サウンド ★★ （派手さはないが隙間を大事にした丁寧なサウンドメイク）
・メロディ ★★ （地味と言えばそれまでだが徐々に染み渡る高い訴求力）
・リズム ★★ （当時としては意識的に派手さを抑えたソフトな質感）
・曲構成 ★★ （バラード中心の落ち着いた寂しげな楽曲に注力）
・個性 ★★★ （彼の内省的な部分を露わにしそれが唯一無二の個性に）
総合評点： 7点
大江千里：vocal・piano
1.「きみと生きたい」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
2.「コインローファーはえらばない」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
3.「17℃」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
4.「マリアじゃない」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
5.「去りゆく青春」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
6.「長距離走者の孤独」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
7.「本降りになったら」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
8.「ゆめみるモダンクリスマス」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
9.「BOY MEETS GIRL」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
10.「AVEC」 詞・曲：大江千里 編：大村雅朗
＜support musician＞
渡辺美里：vocal・background vocals
松原正樹：guitar
伊藤広規：bass
高水健司：bass
青山純：drums
島村英二：drums
山木秀夫：drums
大村雅朗：keyboards
富樫春生：keyboards
西本明：keyboards
小室哲哉：synthesizer
斎藤ノブ：percussions
八木のぶお：harmonica
JOEストリングス：strings
溝口肇：cello
EPO：background vocals
中野豊：background vocals
Freddy Makio：background vocals
浦田恵司：computer programming
迫田到：computer programming
松武秀樹：computer programming
produced by 大江千里
engineered by 伊東俊郎
● どこまでも内省的！枯れてゆく心の痛みを叙情的に救い出し大人の階段を駆け上ったターニングポイント的初セルフプロデュース作
「未成年」「乳房」の2枚のアルバムによって一気にブレイクを果たした大江千里の1985年は、その充実した活動と引き換えにプロモーションやライブに多忙を極め、彼は心身共に疲弊を来すこととなり一旦充電期間としてロサンゼルスに渡ります。過去にも米国から帰国したミュージシャンが一皮むけて帰ってくるというパターンは多々ありますが、彼にとってはそれが音楽面というよりはむしろ人生観が変わることになり、帰国後制作された本作は初のセルフプロデュースによる生々しい感情と寂寥感が入り混じった何とも内省的な作品に仕上げてきました。そもそも彼の音楽性には「未成年」収録の「♮（ナチュラル）」のどこか鬱屈した闇のようなものが常につきまとっており、「乳房」に収録された天性のポップセンスが詰まった楽曲の中にも、人生の暗部を垣間見せる部分を隠していることが気になっていたのですが、本作ではその傾向を曝け出して本来の自分を精神的に開放させることで、結果的に音楽性の新境地に辿り着いたのではないでしょうか。そういう意味では彼にとっての転換期となる非常に重要な作品と言えると思われます。
本作のサウンド面の最大の特徴といえば、もちろんアレンジャーがこれまでの大江千里サウンドを全面的に支えてきた清水信之から、先進的なサウンドの導入にも貪欲であった80年代の代表的なアレンジャーであった大村雅朗に交代したことでしょう。しかし初期大沢誉志幸や吉川晃司等への過激な打ち込みサウンドは本作では影を潜め、前述のような大江の内省的な部分を正面から受け止め、当然時代性もあり緻密な打ち込みサウンドではあるものの柔らかめの質感にとどめており、アルバムとしての統一感を大事にした、羽目を外さない音づくりを心がけています。本作の雰囲気を支えているのは「きみと生きたい」「マリアじゃない」「去りゆく青春」「AVEC」といった孤独感溢れる静謐なバラードで、リリース当時は晩秋の時期ということもあってリスナーの心にグサッと突き刺さるものでしたが、これが人生のトンネルを抜け出た人物のスピリチュアルパワーというか、音楽への執念というか、そういう音楽的な「強さ」を感じさせます。サウンド面で特に目立つ部分もなく派手さがないと言えばそれまでですが、メロディの訴求力は（やや後ろ向きですが）抜きん出ており、その部分は本作のストロングポイントでもあり、本人でさえ大切な作品と言わしめる存在感の源であると言えるでしょう。
本作で持ち直した大江千里は次年のアルバム「OLYMPIC」以降完全に持ち直してさらなる成功を収めていきますが、2008年に再び米国にわたりジャズミュージシャンへと転向していくことになりますが、彼にその道を志させたのも本作前の充電期間の渡米がきっかけであったかもしれないことを考えますと、やはりミュージシャンの渡米というのはその音楽性に非常に影響力を持つものなのでしょう。。
＜Favorite Songs＞
・「17℃」
本作の中では最もプログラマブルな匂いのするクールな楽曲。郷ひろみ「Cool」や前作「乳房」の楽曲を彷佛とさせる冷たい空気感とキレのあるドラム、そして細かい譜割のシンセベースが実に小気味よく楽曲を支えています。
・「長距離走者の孤独」
快活なシンセブラスによる比較的ロックテイストを感じるポップチューン。とはいえ質感はどうしても寂寥感を隠せないものになっています。間奏では印象的かつギターライクなシンセソロを小室哲哉が客演しています。
・「BOY MEETS GIRL」
本作の寂寥感たるイメージを凝縮したようなミディアムチューン。サビの転調感覚が絶妙です。都会でもなく田舎でもなく、どこか地方都市のような微妙なシチュエーションをスバリ表現し切ったノスタルジーの境地とも言える青春ソングに仕上がっています。
＜評点＞
・サウンド ★★ （派手さはないが隙間を大事にした丁寧なサウンドメイク）
・メロディ ★★ （地味と言えばそれまでだが徐々に染み渡る高い訴求力）
・リズム ★★ （当時としては意識的に派手さを抑えたソフトな質感）
・曲構成 ★★ （バラード中心の落ち着いた寂しげな楽曲に注力）
・個性 ★★★ （彼の内省的な部分を露わにしそれが唯一無二の個性に）
総合評点： 7点
